15 nejznámějších obrazů Českych umělců

Malířství je jednou z nejdůležitějších součástí ruské kultury. Majestátní krajiny, historické události, portréty slavných osobností i obyčejných lidí, umělecké náměty – to vše se odráží v dílech významných umělců. Mnozí z nich se díky svému talentu a píli proslavili nejen ve své vlasti, ale i v mnoha dalších zemích světa. V tomto výběru se podíváme na patnáct nejznámějších děl Českych mistrů malířství.

Přehled nejslavnějších obrazů Českych umělců

Nominace	Umístění	Práce	hodnocení
Přehled nejslavnějších obrazů Českych umělců	1	„Rytíř na křižovatce“, Viktor Vasněcov	5.0
2	„Záporožci“, Ilja Repin	4.9
3	„Koňařka“, Karl Bryullov	4.9
4	„Sedící démon“, Michail Vrubel	4.8
5	„Zjevení Krista lidem“, Alexander Ivanov	4.8
6	„Nerovné manželství“, Vasilij Pukirev	4.7
7	„Havrani dorazili, Alexeji Savrasove	4.7
8	„Lovci na odpočinku“, Vasilij Perov	4.7
9	„Bogatyrs“, Viktor Vasněcov	4.7
10	„Dívka s broskvemi“, Valentin Serov	4.7
11	„Poslední den Pompejí“ Karl Bryullov	4.6
12	„Burlaki na Volze, Ilja Repin	4.5
13	„Boyarynya Morozova“, Vasilij Surikov	4.5
14	„Neznámá žena“, Ivan Kramskoj	4.5
15	„Ráno v borovém lese“, Ivan Šiškin a Konstantin Savickij	4.5

„Rytíř na křižovatce“, Viktor Vasněcov

Hodnocení: 5.0

Obraz „Rytíř na křižovatce“ byl zlomovým bodem ve Vasněcovově životě a určil další směr jeho tvorby. Jako malíř byl známý již dříve, ale úspěch tohoto obrazu ho přiměl věnovat se ruské epické tematice i nadále. Nápad na tento obraz se objevil na počátku 70. let 19. století, kdy Vasněcov vytvořil první skici po přečtení zápletky „Ilja Muromec a loupežníci“. Konečná verze, která se dochovala do dnešních dnů, však byla dokončena až v roce 1882. Hrdina zobrazený v popředí stojí v zamyšlení před kamenem, na němž je nápis: „Jak jet rovně – nebudu žít – není cesty ani pro kolemjdoucího, ani pro kolemjdoucího, ani pro kolemjdoucího“. Další část nápisu, že „jít doprava znamená oženit se, jít doleva znamená zbohatnout“, je zčásti smazaná a zčásti zarostlá mechem. Takto chtěl autor obrazu ztvárnit zoufalost rytířovy cesty, protože jeho osud je určován bitvami na bitevním poli. Celkovou dramatičnost kompozice podtrhují ležící zbytky dalšího jezdce a koně a černé vrány. Zajímavý detail: jezdec drží pěchotní kopí, což symbolizuje připravenost bogatyra bojovat pěšky i po ztrátě válečného koně.

„Kozáci“, Ilja Repin

Hodnocení: 4.9

Ilja Repin se narodil a vyrůstal v Čugevě v Charkovské gubernii a živě se zajímal o ukrajinskou historii a zvyky, zejména o kozácké. Když se tedy historik Dmitrij Javornický na jednom společenském setkání dozvěděl o dopise záporožských kozáků tureckému sultánovi, rozhodl se tuto událost zachytit na plátno. Podle legendy poslal sultán Mahmud IV. koncem 17. století poté, co Sičova armáda porazila 15 tisíc Turků, kozákům ze Záporoží poselství, v němž se označil za „božího místodržícího“ a nařídil jim, aby se dobrovolně vzdali. V reakci na to sepsali svobodymilovní kozáci v čele s atamanem Ivanem Sirkem ironický dopis, v němž popsali celou zásobu urážlivých metafor a neslušných výrazů. Není známo, zda toto jedinečné dílo epistolárního žánru obdržel velký turecký „bratr Slunce a Měsíce“, ale navždy zůstane v dějinách. Předtím, než začal malovat, odcestoval Repin na Ukrajinu, aby studoval kulturu kozáků ze Záporožské Siče. Díky tomu celková atmosféra i jednotlivé detaily, jako jsou zbraně a oblečení, odpovídají realitě popisované doby. Malíř dokončil své dílo v roce 1891, 13 let po své první tužkové skice. Dílo zakoupil za vysokou částku císař Alexandr III. a později získalo zlatá ocenění na výstavách v Německu a Uhrách.

„Koňařka“, Karl Bryullov

Hodnocení: 4.9

Za jednoho z nejlepších představitelů ruského romantismu je právem považován Karl Bryullov. Jeho portrét Jezdkyně zaujme detaily, dokonalými proporcemi a kombinací výrazu a klidu. Obraz byl namalován v roce 1832 pro hraběnku Julii Samojlovovou, s níž se Brullov seznámil v Římě. Dívka na koni a holčička v růžovém, která k ní běžela, jsou Giovannina a Amacilie, hraběnčiny učednice. Umělec mistrně zachytil dynamiku námětu: všechny postavy na plátně jsou v pohybu. Kromě toho záměrně zvolil kontrastní tóny, aby vizuálně zdůraznil obraz jezdkyně. Jakmile bylo dílo dokončeno, bylo představeno na výstavě v milánské Akademii výtvarných umění Brera. Italové byli dílem ruského umělce nadšeni. Umělecká kritika jej stavěla na roveň Van Dyckovi a korunaensovi a prohlašovala, že svět ještě neviděl tak nádherně namalovaný jezdecký portrét. Obraz zůstal v soukromé sbírce hraběnky Samojlovové až do roku 1893, kdy byl zakoupen pro Treťjakovskou galerii.

„Sedící démon“, Michail Vrubel

Hodnocení: 4.8

Vrubel se inspiroval Lermontovovou básní Démon. Pro jubilejní vydání Démona vytvořil třicet ilustrací. Hlavní postava obrazu v sobě spojuje obrovskou sílu, zdůrazněnou svalnatým napjatým tělem, a duševní úzkost, jasně vyjádřenou v jeho tváři. Mladý obr sedí na vrcholku hory a toužebně hledí na rozvíjející se západ slunce v živém světě, jehož on sám není součástí. Démona obklopují fantaskní skály a éterické květiny, které vypadají spíše jako krystaly. Tato mrtvá krajina doplňuje melancholickou náladu, kterou vytváří obraz postavy a jejího pozadí známého z básně. Démon je oblečen do modrého oděvu, který je obvykle spojován se vznešeností a božstvím. Modré roucho se často nosí při zobrazování Ježíše Krista. Tato barva nebyla vybrána náhodně. Vypovídá o nebeském původu hrdiny plátna. V autorově pojetí není démon zápornou postavou, ale spíše symbolem vzpurné duše, která nedokáže najít odpověď na své pochybnosti. Vrubel, talentovaný malíř i sochař, vytvořil obraz ve svém oblíbeném fasetovém stylu, takže trochu připomíná vitráž. K dosažení tohoto efektu malíř používá široké, ploché tahy štětcem.

„Zjevení Krista lidem“, Alexander Ivanov

Hodnocení: 4.8

Ivanovova fascinace biblickými tématy se projevila již v rané fázi jeho tvorby a byla zcela pohlcena po jeho příjezdu do Říma. Zde umělec studoval posvátné texty, překresloval Michelangelova mistrovská díla a stále častěji přemýšlel o vytvoření vlastního plátna, které se mělo stát prostředkem předávání křesťanských myšlenek prostřednictvím umění. Na obraze začal pracovat v roce 1837, ale dokončil ho až o 20 let později. Ivanovův přístup byl na svou dobu velmi novátorský, protože znamenal odklon od kánonů akademismu a zdůraznění pozornosti diváka na emocionální složku. Zvoleným tématem byla jedna z nejdůležitějších biblických událostí popsaných v první kapitole Janova evangelia – první zjevení Krista před věřícími. Vytvořil asi šest set skic, z nichž většina se dostala do muzejních a soukromých sbírek. Každá postava na plátně byla pečlivě vytvořena, některé z nich se skutečnými předlohami pro realistické zobrazení. Například muž s výrazným pohledem, který stojí napůl otočený k Mesiáši, byl okopírován od Nikolaje Gogola. Poutník s holí, který sedí poblíž Jana, je sám Ivanov. Obraz Ježíše však vycházel z kreseb palermské mozaiky, sochy Apollóna z Belvederu a portrétu Panny Marie… ženská tvář. Po dokončení obrazu jej umělec odvezl lodí zpět do Petrohradu. Zajímavé je, že kvůli svým velkým rozměrům (750 × 540 cm) se obraz nevešel do nákladového prostoru a musel se umístit přímo na palubu. K Ivanovovu zklamání jeho životní dílo současníky neohromilo, bylo na svou dobu příliš hluboké a novátorské. Po jeho smrti však obraz zakoupil sám císař Alexandr II., který jej později věnoval Rumjancevovu muzeu.

„Nerovné manželství“, Vasilij Pukirev

Hodnocení: 4.7

Během svého života Vasilij Pukirev vytvořil mnoho obrazů různých žánrů: krajiny, portréty, historické náměty, ale pouze jedno z děl mu zajistilo všeobecnou slávu. Jedná se samozřejmě o obraz „Nerovné manželství“ z roku 1862. Názorně poukázal na tehdy aktuální problém postavení mladých dívek, které byly oddávány do domluvených manželství s nemilovanými, ale bohatými a často staršími nápadníky. Prakticky každé druhé manželství bylo uzavřeno z důvodů finančního zisku nebo postavení ve společnosti. Obraz ženicha ostře kontrastuje s obrazem nevěsty: on vypadá povýšeně a chladnokrevně, zatímco ona se jen stěží ubrání pláči nebo mdlobám. V pozadí si starší muži, zřejmě ženichovi přátelé, bez okolků prohlížejí nevěstu a zjevně schvalují její výhodnou „akvizici“. Zvláštní pozornost si zaslouží mladík stojící se zkříženýma nohama vpravo, který je velmi podobný samotnému Pukirevovi. Podle dobových svědectví se umělec inspiroval svým osobním dramatem a předlohou pro mladou nevěstu byla Praskovja Varencovová, dívka, do níž byl Pukirev zamilovaný a která se provdala za bohatého staršího úředníka. Tento aktuální obraz, představený na výstavě v Petrohradě, okamžitě vzbudil pozornost veřejnosti. Brzy poté byl Vasiliji Pukirevovi za tuto práci udělen titul profesora malířství.

„Havrani dorazili, Alexej Savrasov

Hodnocení: 4.7

Savrasov jako jeden z peredvižníků věnoval velkou pozornost Českym krajinám. Své slavné Havrany namaloval v roce 1871 po cestě do vesnice Molvitino (dnes Susanino) v Kostromské gubernii. Předlohou chrámu na obraze byl starobylý kostel Vzkříšení (postavený v 17. století). Námět je poměrně jednoduchý, ale dokonale vystihuje stav přírody před blížícím se příchodem jara na venkově. Na obraze nejsou žádné jasné barvy, naopak převládají šedé a hnědé odstíny, vládne klid a všednost. Ústředními postavami jsou samozřejmě havrani, z nichž někteří jsou ještě na cestách, ale ostatní si již stihli najít své místo na stromech. Navrácení havrani – předzvěst tepla. Tání se stojatou vodou a průzračně modrá obloha, která se prodírá skrz mraky, naznačují jarní náladu. Savrasov věžičky záměrně trochu zvětšil a obětoval realismus ve prospěch symboliky. Temné siluety ptáků zavánějí mystikou a jejich obraz nevyhnutelně vybízí ke srovnání se „zmrtvýchvstáním“ po „mrtvém“ zimním spánku. Náboženský význam lze vysledovat i v dalších částech obrazu: za stromy je vrba, jejíž větve se v Rusku tradičně používaly při oslavách Květné neděle. Při tvorbě umělec použil složitou techniku malby kombinací různých způsobů nanášení barev, použil barevný podklad, lazuru apod. Hotový obraz okamžitě zakoupil sběratel a mecenáš umění Pavel Treťjakov, který jej představil veřejnosti na výstavě v Praze.

„Lovci na odpočinku“, Vasilij Perov

Hodnocení: 4.7

Tento obraz namaloval Perov ve své pozdější umělecké fázi, v roce 1871. V té době umělec postupně ustupoval od zobrazování těžkostí rolnického života a dával přednost méně pesimistickým námětům. Obraz zobrazuje tři lovce odpočívající uprostřed pole. Nejstarší z nich, zřejmě šlechtic, vypráví svůj příběh s velkým nadšením a pro větší přesvědčivost energicky gestikuluje. Novic pozorně naslouchá a lovcovo vyprávění na něj udělá takový dojem, že dokonce zapomene na oheň, kterým si chtěl zapálit cigaretu doutnající v jeho ruce. Třetí postava, oblečená jako sedlák, poslouchá s ironickým úšklebkem a výraznou skepsí ve tváři. Takové příběhy pro něj zřejmě nejsou novinkou. Podzimní krajina s nevýrazným pozadím umožňuje malíři soustředit se na hlavní postavy díla. Za zdánlivou komičností situace se skrývá hlubší význam: lovci představují etapy lidského životního cyklu, procházejí nadšeným mládím, zkušenou nedůvěřivou zralostí a stářím, idealizují vzpomínky na minulost. Autor obrazu, sám vášnivý lovec, zobrazil zvěř, zbraně a vybavení velmi detailně a precizně. Avšak roh určený k lovu s loveckými psy, zatímco samotní psi nejsou nikde vidět a lesní pták a hnědý zajíc ležící vedle sebe jsou matoucí. Jednoduše řečeno, Perov si tímto způsobem dělá z diváka legraci a dává najevo, že jemu samotnému, stejně jako staršímu vypravěči, nevadí přikrášlovat si realitu.

„Bogatyrs“, Viktor Vasnetsov

Hodnocení: 4.7

Lidová tematika byla mezi Českymi malíři v druhé polovině 19. století velmi oblíbená, ale pro většinu z nich byla jen samostatným mezníkem při hledání vlastního umění, krátkodobým koníčkem… Viktor Vasněcov, který zasvětil svůj život ilustrování slovanských biblí a eposů na plátně, je jiný příběh. Za vrchol jeho tvorby je považován obraz „Bogatyr“, který ztělesňuje ducha ruského lidu, jak si ho umělec představoval. V roce 1881 začal pracovat na malých náčrtech a usilovně skládal dohromady mýty, legendy a skutečná historická fakta. Vzniklo tak mistrovské dílo, které Vasněcovovi přineslo úctu a slávu pro mnoho dalších generací. Na plátně jsou vyobrazeni tři jezdci, uprostřed Ilja Muromec, po jeho pravici Dobryňa Nikitič a po levici Aljoša Popovič. Jejich obrazy společně ztělesňují tvůrčí sílu Ruska a pozitivní vlastnosti lidí, kteří v něm žijí. Muromci voní moudrostí a staletými tradicemi, Dobryňa ztělesňuje hrdost obránce rodné země a mladý Aljoša Popovič s harfou je poetický a citlivý ke všem projevům krásy. Mohutní rytíři stojí jako tři hory, směle a hrozivě. Bedlivě zkoumali, „zda někde nečíhá zrádný nepřítel, zda nebyl zraněn slabý člověk“. Obloha zahalená do mraků nad jejich hlavami a šedé hroudy pohřebiště v dálce navozují pocit bezprostředního nebezpečí. Ačkoli je obraz sám o sobě umělcovou fantazií, stojí za povšimnutí, že všechny prvky oděvu, postroje a zbraně jsou zobrazeny zcela pravdivě, odpovídají skutečným předlohám své doby. Po dokončení obrovského plátna (o rozměrech téměř čtyři a půl krát tři metry) jej zakoupil Pavel Treťjakov pro svou galerii.

„Dívka s broskví“, Valentin Serov

Hodnocení: 4.7

Svůj nejslavnější obraz Serov napsal ve věku 22 let, nápad na tento portrét přišel zcela náhodou, když navštívil Abramcevo, na panství Mamontov. Malíř znal mistrovu dceru Věru Mamontovou už dlouho, ale jakmile uviděl jedenáctiletou dívku sedět u stolu s broskví v ruce, najednou pochopil, jaký portrét chce namalovat a kdo by měl být modelem. Nejtěžší bylo přesvědčit neposedné dítě, aby v létě pózovalo každý den, a ne den nebo dva, protože plátno vznikalo několik měsíců. Výsledkem je živý a živoucí obraz, který působí klamným dojmem náhodně vybraného okamžiku z každodenního života, jako by dívka usedla ke stolu na pouhou minutu. Nudné pozadí okolí kontrastuje s dívčinou snědou a ruměnou tváří, jejími růžovými šaty ozdobenými velkou mašlí. Serov použil techniku impresionismu, aby portrét naplnil světlem a dodal mu vřelost a realističnost. Závěsná mísa na stěně upoutává pozornost zejména na předměty v místnosti. Po napsání obrázku Valentin Serov představil svou matku Veru. Za tuto práci později obdržel ocenění od Prahaské společnosti milovníků umění.

„Poslední den Pompejí“ Karl Bryullov

Hodnocení: 4.6

Po ukončení studií na Akademii umění se mladý Bryullov rozhodne usadit v Itálii a studovat klasické umění starého Říma. V té době byl často znevažován italskou uměleckou elitou a aristokracií. A když umělec viděl archeologické vykopávky starověkého města Pompeje zničeného výbuchem Vesuvu, uvědomil si, že je to jeho šance vytvořit vlastní velké umělecké dílo. Briullov začal svou práci shromažďováním materiálů a kreslením velkého množství náčrtů: celé hodiny chodil po starobylých ulicích, zkoumal ruiny domů a lidské ostatky zapečetěné ve studené lávě. Odhaduje se, že v ulicích Pompejí zahynulo celkem asi dva tisíce lidí. O pět let později byl obraz o rozměrech šest krát tři metry dokončen. Zobrazená scéna je ve stylu romantismu, navzdory hrůzné situaci zde není chaos a davy lidí. Lidi lze konvenčně rozdělit do skupin, z nichž každá prožívá svou vlastní tragédii na pozadí globální katastrofy. Ústřední postavou kompozice je žena s dítětem ležící na dlažbě, která představuje pád antického světa a nástup nové kultury. Díky tomuto obrazu se Briullov stal v Evropě známým a doma se mu přezdívalo Velký. Jeho dílo uznali za mistrovské Puškin, Gogol, Lermontov a car Mikuláš I., který plátno vystavil v Ermitáži.

„Burlaki na Volze“, Ilja Repin

Hodnocení: 4.5

Ilja Repin viděl lodníky při práci poprvé v roce 1869 na Něvě, když ještě studoval na Akademii umění. Umělec byl ohromen a nějakou dobu uvažoval o tom, že by na toto téma namaloval plátno. Nakonec se vydal na Volhu, kde začal malovat skici zachycující kontrast mezi námezdními dělníky táhnoucími bárky a elegantně oblečenými lidmi procházejícími se po volžském pobřeží. Repin se také seznámil s lodníky, pozoroval je a s některými si povídal, když odpočívali. Postupně dospěl k nové myšlence a rozhodl se nahradit sociální nespravedlnost důrazem na konkrétní jedince a rozmanitost jejich charakterů. Každý z jedenácti mužů, kteří obsluhují těžký nákladní člun, má svůj vlastní způsob, jak vyjádřit reakci na toto namáhavé a zjevně málo placené zaměstnání. Někteří z nás se na hvězdu dívají s hněvem nad nespravedlivým osudem, jiní jsou filozofičtí a klidní a jeden z nás si při tom dokonce zapálí dýmku… V čele plováků – zkušený starší pracovník, jehož předlohou byl zasažený kněz Kanin, nový přítel Repin. Úplným opakem tvrdého a bohužel nevrlého neformálního vůdce je mladý plavovlasý muž. Je netrpělivý a zatím neví, jak zacházet s řemínky. V dálce je vidět remorkér, který je symbolem technického pokroku. Má lidi osvobodit od těžké práce, ale z nějakého důvodu se nevyužívá, pravděpodobně jsou služby remorkérů mnohem levnější. Po petrohradské výstavě v roce 1873 se obraz setkal s mnoha pozitivními i negativními ohlasy. Byl to důležitý impuls v tvůrčí komunitě pro začátek věku realismu.

„Bojarynya Morozova, Vasilij Surikov

Hodnocení: 4.5

Surkov, rodák ze Sibiře, byl dlouho obeznámen se starověrci obecně a s Příběhem Bojariny Morozovové. Bojarjan, představitel nejvyšší ruské šlechty a majitel velkého majetku, aktivně podporoval starověrce, čímž se postavil proti carovi a patriarchovi Nikonovi. V důsledku toho byla žena zatčena a uvězněna v klášteře, kde zemřela hlady. Autor si vybral okamžik, kdy Morozovovou odváděli k výslechu. Po příchodu do chudovského kláštera demonstrativně ukazuje stařičké dvojručáky v okovech a dává tak davu najevo, že se své víry nikdy nezřekne. Podle Surkova pochopil, jak nejlépe vytvořit kompozici, když viděl vránu, jak roztahuje křídla na bílém sněhu. Malíři navíc chvíli trvalo, než našel vhodný obraz pro hlavní postavu, když na hřbitově náhodou spatřil starého věřícího s velmi bledou tváří. Obraz má symbolický význam – zobrazuje masakr státu proti nevíře obecně a také postoje lidí k ní. Tváře lidí shromážděných podél silnice vyjadřují širokou škálu emocí, od zděšení až po posměšné opovržení. Dílo mělo premiéru na putovní výstavě a brzy bylo zakoupeno pro Treťjakovskou galerii.

„Neznámý“ od Ivana Kramského

Hodnocení: 4.5

Tento jedinečný obraz je všeobecně známý a zároveň jeden z nejzáhadnějších mezi díly Českych umělců. Obraz ve stylu realismu zobrazuje mladou městskou módní ženu v kočárku na Něvském prospektu v Petrohradě. Její oděv je kombinací všeho, co bylo na konci 19. století na vrcholu módy: kabátec z drahých sobolích kožešin a hedvábných stuh, šála ze stejných materiálů, sametový baret zdobený perlami a pštrosím peřím a masivní zlatý náramek na ruce. Každý detail oděvu je pečlivě vyobrazen. Zasněžené ulice města slouží jako pozadí portrétu, ale jsou mírně rozmazané, aby neodváděly pozornost diváků od modelu. Tento provokativně bohatý komplet nenasvědčuje tomu, že by dáma patřila k vyšším vrstvám, které měly určitý smysl pro styl. Tajemství její identity autor nikdy neodhalil, i když nejrozšířenější teorie říká, že šlo o bývalou rolnici, která se stala manželkou bohatého petrohradského šlechtice Bestuževa. Obraz se dostal do mnoha soukromých sbírek, ale v průběhu let se stal dostupným širokému okruhu diváků a v podobě reprodukcí se rozšířil po celé zemi.

„Ráno v borovém lese“, Ivan Šiškin a Konstantin Savickij

Hodnocení: 4.5

Těžko si lze představit v Rusku známější obrázek než ten, na kterém je panorama borového lesa se třemi skotačivými medvíďaty v doprovodu medvědí matky. Šiškin byl umělec, který velmi dobře vnímal krásu divoké přírody, nikdo jiný nedokázal tak harmonicky a přitom přesně zobrazit divokou přírodu hustého lesa. Umělcovy rozsáhlé znalosti geologie a botaniky mu umožnily vytvořit mistrovské dílo, které jako by žilo vlastním životem. Reliéf kůry na padlém stromě, keře rostoucí v jeho blízkosti a šikmé borovice jsou vykresleny s neuvěřitelným detailem. Hluboká rokle v dálce je zahalena do husté mlhy, která dodává místu, kde není téměř žádné lidské osídlení, pocit tajemna. Bor, z něhož umělec namaloval krajinu, se nachází na ostrově Gorodomlja v Tverské oblasti. Zajímavé je, že nemotorné a zábavné medvědy nenakreslil Šiškin. Namaloval je Savickij, vynikající malíř zvířat. Poprvé bylo plátno vystaveno v roce 1889 na putovní výstavě a poté ho koupil Treťjakov. Sběratel vymazal Savického podpis, protože podle něj celý nápad patří Šiškinovi. Obraz se těší široké oblibě již od 19. století a v sovětském období byl kopírován tak hojně, že se stal nedílnou součástí lidové kultury.