12 nejslavnějších obrazů v Ermitáži

Muzeum Ermitáž v Petrohradě je skutečným palácem umění, kde se nachází mnoho neocenitelných mistrovských děl. Jedno z pěti a patnácti nejnavštěvovanějších muzeí umění na světě. Ermitáž založila Kateřina Veliká jako soukromou císařskou sbírku a původně byla umístěna v malé přístavbě. Odtud pochází i název, který v překladu z francouzštiny znamená ermitage, tedy „místo samoty“. Sbírka se časem značně rozrostla a v roce 1852 byla zpřístupněna široké veřejnosti. V pěti budovách muzea je vystaveno více než tři miliony exponátů. Zvláště cenná je sbírka obrazů, která zahrnuje díla nejlepších umělců z různých zemí a epoch. Níže je uvedeno dvanáct slavných obrazů, které jsou k vidění v Ermitáži.

Přehled nejslavnějších obrazů Ermitáže

„Apoštolové Petr a Pavel“, El Greco

Hodnocení: 5.0

Dílo malíře El Greca, vlastním jménem Domenikos Theotokopoulos, se vyznačuje osobitým stylem. Směs manýrismu a expresionismu španělské renesance. Tento malíř údajně jako jeden z prvních zobrazil apoštoly Pavla a Petra společně. Obraz zobrazuje kontrastní osobnosti a duchovní světy těchto dvou významných křesťanských osobností. Tento kontrast umožnil vyjádřit důležité náboženské otázky doby jazykem umění. Pavel je zobrazen jako silná, rozhodná postava, jeho ruka mocně spočívá na Písmu svatém a jeho pohled prozrazuje neochvějnou, téměř fanatickou důvěru. Petr je naopak zosobněním reflexe a vnitřních pochybností. Tento výklad se sice značně lišil od církevních norem z konce 16. století, kdy byl obraz namalován, ale celkově byl zcela v souladu s evangeliem. Apoštol Petr byl známý svou nestálostí, zatímco Pavel, který byl zpočátku zuřivým pronásledovatelem křesťanů, se později stal stejně zuřivým zastáncem křesťanství.

Rozdílnost duševního rozpoložení apoštolů je zdůrazněna nejen jejich výrazem tváře a držením těla, ale také jejich zbarvením. Malíř dal Pavlovu obrazu vyniknout jeho oděvu, který je nápadně tmavě červený, a také jeho tvář má sytější, živější barvu. Celkově kompozice vytváří atmosféru povznesenosti a úzkosti, která byla charakteristická pro celé El Grecovo temperamentní umění.

„Madonna Conestabile“, Raphael Santi

Hodnocení: 4.9

Jedná se o jedno z prvních děl slavného italského renesančního malíře, které namaloval ve svých 20 letech během pobytu v Perugii. Obraz byl namalován na objednávku vévody z Alfana di Diamante. Původně se jmenovala prostě Madona s dítětem, ale své moderní jméno dostala od svého majitele Giovanniho Conestabileho, který obraz zdědil spolu s luxusním palácem. Toto mistrovské dílo se do Ruska dostalo díky císaři Alexandru II., který ho koupil jako dárek pro svou manželku Marii Alexandrovnu.

Lyrický ženský obraz matky držící v náručí své dítě na pozadí zvlněné krajiny Umbrie (italský region sousedící s Toskánskem). Postava Madony s jemnými liniemi ramen a závojem vypadá v rámu kulatého obrazu ideálně. Kompozice působí velmi uceleně a harmonicky díky kombinaci směru pohledů postav – matka i dítě se dívají do knihy. Předpokládá se, že Rafaela inspirovaly vzpomínky na rodné prostředí a na matku, která zemřela v mládí.

„Milovník absintu“, Pablo Picasso

Hodnocení: 4.8

Na počátku 20. století bylo téma neřesti a závislosti ve francouzském malířství velmi oblíbené, zejména absint. Extrémně silný halucinogenní nápoj se stal fetišem pařížské smetánky. Kromě toho měl dvacetiletý umělec právě „modré období“, během něhož maloval převážně náměty plné samoty a opuštěnosti. Hlavní hrdina obrazu je zobrazen ve vší nepřitažlivosti člověka, který si zvolil cestu sebedestrukce. Sedí v koutě a uzavírá se do sebe, jejími jedinými společníky jsou modrý sifon a sklenička se zeleným nápojem. Za ní na stěně visí zrcadlo, které odráží jasný vnější svět, ale žena mu dává přednost před vlastními představami a halucinacemi vyvolanými účinky opojného alkoholu.

Dramatičnost námětu umocňují pokřivené, nadměrně dlouhé prsty milovnice absintu, kterými se objímá, jako by se snažila chránit své přeludy před realitou. Ztuhlá v nepřirozené póze jako by se stala neživým objektem, propleteným s lahví a sklenicí na stole. Tato symbolika je vyjádřena jak barevností, tak podobnými obrysy ženy a absintového přístroje.

„Návrat marnotratného syna“, Rembrandt Harmens van Rijn

Hodnocení: 4.7

Rembrandt vytvořil velké množství obrazů s biblickými náměty, ale jedním z nejznámějších je příběh kajícího se marnotratného syna, který se vrací k otci poté, co zpronevěřil veškerý jeho majetek. Toto mistrovské dílo vzniklo v pozdním období umělce, který do něj vložil nejen nasbírané zkušenosti, ale také emoce ze ztráty syna Tita. Hlavní protagonisté na plátně nejsou vycentrovaní, ale jsou umně zdůrazněni pomocí světla. Klečící syn a jeho otec, jehož celý postoj a výraz naznačují absolutní odpuštění. Kontrast mezi bohatým oděvem rodiny a extrémně obnošeným oblečením zchudlého syna je naprosto zřejmý.

Obraz nesoustředí divákovu pozornost ani tak na událost, ale na emocionální prožitek účastníků tohoto rodinného dramatu. Kromě otce a syna jsou na obraze zobrazeny další čtyři osoby, jejichž totožnost zůstává dodnes záhadou. Rembrandtovo dílo inspirovalo v roce 1967 slavného britského skladatele Benjamina Brittena, který jej krátce poté spatřil při prohlídce tehdejší sovětské Ermitáže a napsal hudební operu Marnotratný syn.

„Žena držící plod“, Paul Gauguin

Hodnocení: 4.7

Obraz má také název „Eu haere ia oe“, což znamená „Kam jdeš“?“a je to vlastně fráze, kterou se Tahiťané zdravili při setkání s lidmi z Tahiti. Gauguin ji namaloval během svého pobytu v Polynésii, kam se vydal hledat inspiraci a harmonii s přírodou. Exotická vegetace plná pestrých barev, ostrovní život a jedinečná kultura na vás udělají velký dojem. Umělce však fascinovaly zejména tahitské ženy, které se od evropských žen lišily svou prostotou a prvotním půvabem. Jeden z těchto domorodců je zobrazen v popředí se zelenkavým plodem v ruce (který pravděpodobně slouží jako nádoba na vodu). Dva další sedí u chatrčí, zatímco další zpovzdálí pozoruje, jak drží v náručí dítě. Je to obyčejná epizoda z každodenního života ostrovanů, ale Gauguin v ní vidí ztělesnění přirozeného rytmu přírody.

Touha zachytit krásu exotických a civilizací do značné míry nedotčených míst vedla k odklonu od téměř všech tradic a pravidel tradičního malířství. Individuální styl, který umělec vytvořil, předpokládal zobecnění, přenos forem a světla s minimem prostředků. Živá barevná paleta obrazu odráží atmosféru horkého tropického dne. A klidné, uvolněné pózy lidí a listové vzory na jejich oblečení symbolizují duchovní spřízněnost s prostředím, v němž žijí.

„Kompozice VI“, Wassily Kandinsky

Hodnocení: 4.7

Kandinskij byl jedním z prvních abstrakcionistů na světě. Přínos ruského umělce pro rozvoj tohoto odvětví malířství je tak velký, že jeho dílu je v Ermitáži věnována samostatná místnost. Kompozice VI“, vytvořená v roce 1913, je jedním z nejzajímavějších děl. Jasné barvy a rozmáchlé volné tahy dokonale odrážejí dynamiku bouřlivého počátku nové epochy v umění dvacátého století. Původní koncept obrazu vznikl po namalování skici na téma biblické potopy. Později se však Vasilij rozhodl opustit myšlenku vazby na konkrétní událost a nechal diváka, aby si význam a emocionální složku vyložil sám.

Bezobjektový svět obrazu se objevuje v podobě rytmického střídání křivek, linií a barevných skvrn. Podle autora jsou na plátně dvě kompoziční centra: růžové na levé straně, kolem něhož se pění modré „vlny“, a červenomodré s ostrými liniemi. Střídání hrubých a hladkých ploch plátna a vyvažování vzájemně protichůdných prvků pomohlo dosáhnout celistvosti abstraktního námětu.

„Dáma v modrém“, Thomas Gainsborough

Hodnocení: 4.7

Tento obraz je právem považován za největší hodnotu sbírky anglického malířství v Ermitáži. Přestože měl Gainsborough zálibu v krajinářských námětech, proslavil se především svými jemnými romantickými portréty. Obecně se má za to, že obraz zobrazuje vévodkyni Elizabeth Beaufortovou, dceru admirála Boscawena. Umělcovou hlavní zvláštností bylo, že se snažil zachytit nejen krásu, ale i náladu a individuální povahové rysy modelu, aby byl obraz co nejživější. Jeho díla postrádají přílišnou prvoplánovost, která je vlastní baroku. Harmonické barevné schéma kombinující odstíny modré a šedé. Malovala lehkými tahy, různě hustými a tvarovými, někdy tak tenkými, že barva prosvítala skrz látku plátna.

Portrét se vyznačuje obzvláště propracovanou a složitou parukou, která zabírá velkou část kompozice: pečlivost, s jakou umělec zobrazil tento oblíbený prvek 18. století v ženském obraze. Klobouk s pštrosími pery byl také módním doplňkem, stejně jako používání bílého pudru na ramena a dokonce i na hruď, protože bledá pleť byla považována za neodmyslitelnou součást aristokracie.

„Most u Waterloo. Mlžný efekt, Claude Monet

Hodnocení: 4.6

Francouzský malíř Claude Monet byl jedním z průkopníků ve 20. století velmi populárního impresionistického stylu malby. Cyklus obrazů, které spojuje téma londýnského mostu Waterloo, začal malovat během pobytu v hotelu Savoy s výhledem na Temži. Monet byl experimentátor a avantgardní umělec, který často zkoumal možnosti atmosférických stavů v malbě. A samozřejmě si nenechal ujít příležitost zachytit proslulou mlhu zahalující britskou metropoli. Dílo, které autor začal tvořit v Londýně, dokončil ve svém francouzském ateliéru zpaměti a nepřenesl do něj ani tak obrysy města a řeky, jako spíše své pocity z krajiny, kterou si oblíbil.

Obraz Clauda Moneta je nejlépe sledovat z dálky – pak se na první pohled chaotický kaleidoskop tahů štětcem kouzelně promění v most a vody Temže s vířící mlhou nad nimi, zřetelně jsou vidět tovární komíny a siluety plovoucích lodí. Barevnému schématu dominuje šeřík a odstíny modré, což je způsob, který autor zvolil pro navození atmosféry melancholického Londýna ponořeného do mlhy.

„Portrét herečky Jeanne Samarie“, Pierre-Auguste Renoir

Hodnocení: 4.5

Ženské portréty tvořily podstatnou část Renoirovy tvorby. Je známý sérií obrazů s herečkou Jeanne Samarie, která žila v jeho blízkosti a ochotně mu chodila pózovat. Celkem namaloval čtyři portréty, které se od sebe liší způsobem kompozice a barevností. Tento obraz je považován za jedno z Renoirových nejimpresionističtějších děl. Vyznačuje se volným stylem na hranici nedbalosti a dodává modelu svěžest, mladistvost a nenucenou ženskost. Stojí za zmínku, že autor vzhled Johanky mírně přikrášlil, aby na plátně zachytil její vnitřní půvab a lásku k životu.

Poté, co byl obraz vystaven na třetí výstavě impresionistů, vzbudil velký rozruch a velká část publika se přiklonila spíše ke kritice. A není divu, protože na konci 19. století bylo dekorativní, romantické malířství stále žádané a impresionismus byl teprve vznikajícím hnutím. Navíc byla jeho zvolená kombinace zelených šatů na růžovém pozadí považována za nevhodnou. V úzkém kruhu znalců se však odvaha umělce, který se neřídil tradicí, ale vlastním cítěním, setkala s pozitivním ohlasem.

„Loutnista“, Michelangelo Merisi da Caravaggio

Hodnocení: 4.5

„Loutnista“ je jedním z prvních Caravaggiových děl, které vzniklo koncem 16. století na žádost kardinála Francesca del Monte, jenž byl mecenášem jeho umění. Zobrazuje mladého muže sedícího u stolu, který se doprovází na loutnu. Pro své jemné androgynní rysy byla dlouhá léta mylně považována za dívku a obraz byl dokonce vystaven v muzeu jako Dívka s loutnou. Podle mnoha historiků umění namaloval hlavní postavu mladý sicilský umělec Mario Minniti. Nepřímým důkazem, že Caravaggio namaloval právě tohoto mladíka, je otevřený sešit na basový part Jacoba Arcadelta „Voi sapete ch’io vi amo“ (Víš, že tě miluji), který byl v těch letech populární. Žena by si tuto melodii nevybrala, nehledě na to, že loutna je tradičně mužský nástroj.

Mistrovství stínování bylo charakteristickým znakem jeho stylu a tento snímek je ukázkou jeho oblíbené techniky – vyvedení kompozice z šera pomocí jediného zdroje světla. Všechny objekty odrážejí světlo, které na ně dopadá, přesně podle fyzikálních zákonů. Tato autenticita byla pravděpodobně výsledkem Caravaggiova blízkého spojení s významnými vědci, včetně Galilea Galileiho a Giovanniho Batisty della Porta, autora vědecké práce o refrakci. Podle lidové víry spočívá její význam v tom, že současně oslavuje harmonii života a jeho pomíjivost. Autor napsal ještě dvě verze tohoto díla, jedna je nyní v newyorském Metropolitním muzeu a druhá v britské rezidenci Badminton House.

„Danaë“, Tizian Vechellio

Hodnocení: 4.5

Tizian, benátský malíř vrcholné renesance, se opakovaně věnoval tématům antické mytologie. Pro španělského krále namaloval obraz Danaë. Děj vychází ze starořecké legendy o dceři argoského krále Akrisia. Když král vyslechne předpověď dvorní věštírny, že jeho vnuk zemře, uvězní svou jedinou dceru v nedobytné věži, kam se žádný smrtelník nedostane. Ale mocný bůh Zeus, okouzlený její krásou, dokázal Danaë zasypat zlatým deštěm. Z tohoto spojení se zrodil polobůh a antický hrdina Perseus.

Autor zobrazuje Danaë jako klidnou a vznešenou; lásku nebeské bytosti přijímá bez rozruchu a dokonce i bez překvapení. Dívčina tvář je částečně zastíněná, ale křivky jejího těla se naopak koupou v měkkém zlatavém světle. Tento Tiziánův obraz je jakýmsi chvalozpěvem na smyslnost a ženskou krásu. Sám malíř ji nazval básní na plátně.

„Benoitská madona“, Leonardo da Vinci

Hodnocení: 4.5

Obraz, známý také jako Madona s květinou, nese své jméno po posledních majitelích, ruské malířské a sběratelské dynastii Benoitů. Italský geniální malíř namaloval toto dílo ve svých 26 letech, kdy již ukončil své učednické období u Andrea Verrocchia. Madona byla oblíbeným námětem už dlouho před Leonardem, ale on vdechl běžnému biblickému tématu nový život. Odmítá idealistický a majestátní, ale neživotný vzhled a ukazuje světu pozemskou Madonu, pohlcenou radostí z mateřství. Její mladistvou tvář zdobí úsměv, který byl dříve v podobě Kristovy matky považován za nevhodný. Marie podává svému synovi květinu z kříže. I přes svůj náboženský význam je to však především příběh o šťastném rodinném životě a touze poznávat svět.

Kompozice obrazu obsahuje dva zdroje světla. Jedním z nich je malé okénko za Madonou, ale hlavní světlo přichází shora vlevo, kterým autor „vytahuje“ postavy z polotmy místnosti a dodává jim objem dokonalou hrou světla a stínu. Malba je provedena olejovými barvami, což umožnilo zachytit nejjemnější detaily a realističnost struktury látky. Technika olejomalby byla průkopníkem v Itálii na konci 15. století a da Vinci ji jako jeden z prvních použil ve svých dílech.