12 nejlepších obrazů Clauda Moneta

Claude Monet, znalec živé přírody, proslulý tvůrce nesmírně populárního impresionismu, je dnes kritiky považován za symbol své doby… Kdo mohl tušit, že tento malý karikaturista bude mít silný vliv na umělce celého světa a vytvoří souhvězdí vynikajících obrazů s jedinečnou, neuvěřitelně živou barevností, že v době, kdy autor nebyl znám, kolovaly zvěsti o jeho šílenství. Zde jsou některé z nejlepších obrazů velkého mistra – nejslavnější výtvory štětce francouzského impresionisty.

Stopy velkého impresionisty: 12 nejlepších děl francouzského génia Clauda Moneta

Nominace	místo	Práce	hodnocení
Přehled nejlepších obrazů Clauda Moneta	1	„San Giorgio Maggiore za soumraku“, 1908-1912	5.0
2	„Dáma v zelených šatech“ (Camille), 1866	4.9
3	„Procházka. Dáma s deštníkem, 1875	4.9
4	Série „Hromady sena“, 1890-1891	4.8
5	Série Rouenská katedrála, 1892-1893	4.7
6	Série „Vodní lilie“, 1896-1926	4.7
7	Série Station St. Lazare, 1872-1877	4.6
8	„Dámy v zahradě“, 1866	4.5
9	„Dojem. Vycházející slunce, 1872	4.5
10	„Snídaně na trávě“, 1866	4.5
11	„Budovy parlamentu za soumraku“, 1900-1901	4.5
12	„Most Waterloo za oblačného počasí, 1904	4.4

„San Giorgio Maggiore za soumraku“, 1908-1912

Hodnocení: 5.0

Jeden z nejslavnějších a nejvýznamnějších obrazů v díle velkého impresionisty. V námětu převládají oranžové tóny – s těmito odstíny autor spojoval úpadek italského města. Barevnému pozadí dominuje benátská katedrála a samozřejmě voda.

Sám mistr poznamenal, že malba soumračného města vznikla nestandardním způsobem: představa plátna byla tak působivě krásná a uhrančivá, že umělec pracoval horečně a doslova šlapal na paty slunci, které se blížilo k západu, a jeho vodním odleskům. Monet ve svých dílech používal dramatické barevné kontrasty, které dodávaly obrazu větší hloubku a jas.

Vzhledem k tomu, že nápad byl inspirován téměř okamžitou inspirací, použil Monet techniku krátkých tahů a rychlého vyplnění plátna pastou. Podařilo se mu tak okamžitě zachytit barevný okamžik a přesně reprodukovat hru světla. Hlavním cílem autorových děl nebylo předat divákovi morální poselství nebo hluboký význam, ale vytvořit smyslový dojem, vzbudit příjemný pocit a dojem – ne nadarmo byl Monet jedním z nejzářivějších představitelů impresionismu.

„Dáma v zelených šatech (Camille), 1866

Hodnocení: 4.9

Portrét zachycuje manželku velkého impresionisty Camilla Donciera v době, kdy ještě nebyla jeho ženou, ba ani snoubenkou. Claude a Camille se právě seznámili a po jednom z těchto setkání se Monet rozhodl přenést na plátno živé pocity, které mezi mladými lidmi vznikly. V obraze „Dáma v zelených šatech“ se autorovi podařilo zachytit rozechvělý okamžik, kdy se dívka, stojící téměř u východu, otočila.

Monet soustředil veškerý svůj um na samotnou Camillu, pečlivě si prohlížel její tvář, křivku krku, výraz, dokonce i nepatrný pohyb její ruky. Obraz nemá vzdušnost ani nic éterického. Umělec se snažil ukázat dívku jako skutečnou, živou. Monet nepotřeboval mistrovský ideál: šaty vypadají těžce a zdá se, že se vlečou po podlaze, což naznačuje, že jsou vyrobeny z těžké látky.

Monet maloval to, co viděl a co z celého srdce miloval (navzdory jejich krátké známosti měl umělec čas dívku vášnivě a vroucně milovat), bez příkras a komplikací, které by Camille jen urazily. Obraz působí neuvěřitelně živě a hluboce: je z něj cítit vášeň i chvění zamilovaného mladíka.

„Chůze. Dáma s deštníkem“, 1875

Hodnocení: 4.9

Považuje se za první ze série obrazů, z nichž první byl namalován v roce 1875. Modelem pro portrét byla umělcova první žena Camille. Dílo je považováno za největší v tvůrčím období 70. let 19. století. Obraz zobrazuje Camillu se synem v divočině poblíž Colombe a Genivier.

Paní Monetová stojí napůl bokem, jako by náhle zjistila, že divák. Šaty jí vlají ve větru. Postava je mírně posunutá doprava, což kompenzuje nakloněný slunečník s kopulí odrážející jasně zelenou louku. O kousek dál, viditelný jen ve výšce pasu, stojí Monetův syn, jako by se na diváka pozorně díval.

Malováno ze života v plenéru, pravděpodobně během jednoho sezení. V průběhu tvorby obrazu postupně převládá v malířově tvorbě pečlivé studium postav, které nahrazuje krajinomalbu. Přesto velký impresionista nikdy nezapomene divákovi zprostředkovat neuchopitelné sluneční světlo, díky němuž obraz vypadá jako živý.

Výrazným prvkem je umístění ženské postavy na plátně a nízká linie horizontu, která dodává obrazu celkově monumentální vzhled, což je pro francouzského impresionistu poněkud neobvyklý přístup.

Série The Haystacks, 1890-1891

Hodnocení: 4.8

Monet věřil, že krajina by měla být malována tak, že plně zachová barvu, tvar a náladu prostředí, a „to povede k osobnímu, naivnímu vidění situace, na kterou se díváte“. Monet nebyl prvním malířem, který na plátno přenesl venkovskou krajinu s kupkou sena jako hlavním námětem. Van Gogh, Pissarro, Gauguin a další velcí umělci již na toto téma malovali.

Monet se však dokázal odlišit tím, že ve své tvorbě použil dva průkopnické prvky: svůj způsob vidění světla a vytvoření celé řady obrazů. Díky umělcově píli a talentu dnes můžeme pozorovat rozmanitost jednoho motivu v závislosti na denní době a měnícím se světle.

Monet se touto sérií pláten s kupkami sena snažil podle vlastních slov ukázat plynutí času. Stěžoval si, že v létě, když maloval, slunce zapadalo tak rychle, že s ním umělec nedokázal držet krok a stále hledal prchavou změnu světla.

V roce 1888 Monet vytvořil několik studií seníků poblíž Giverny. K tomuto tématu se vrací i o rok později, na začátku sklizně. Několik měsíců usilovně pracoval a maloval pole zalitá letním sluncem, jasně červenavá na podzim a hustě zasněžená v zimě.

V létě 1890, kdy se mistr ponořil do případu „Olympie“ a toužil obraz od vdovy po Manetovi odkoupit a věnovat jej Louvru, bylo zataženo a často pršelo. Začal tedy malovat svá plátna v ateliéru a představoval si, jak barevná a neobyčejná může být obloha. Patnáct děl z této série, poprvé vystavených v Durand-Ruel, mělo obrovský úspěch a navzdory vysoké ceně bylo vyprodáno.

Série „Katedrála v Rouenu“, 1892-1893

Hodnocení: 4.7

Další série obrazů velkého impresionisty, tentokrát je námětem majestátní gotická katedrála v Rouenu. Monet žil v blízkosti katedrály a maloval od časného rána do pozdní noci. Umělec byl neuvěřitelně fascinován hrou světla na chladném kameni a snažil se tento výrazný kontrast přenést na plátno.

Monet se nesoustředil na budovu jako celek, ale na její část: dvě věže: Martinskou a Albanskou. V impresionistickém pojetí vypadaly prvky katedrály jako portál a každý obraz zobrazuje tuto stranu budovy. Jak umělec postupoval ve své práci, postupně nanášel na plátno silnější vrstvu barvy ve snaze zdůraznit některé detaily a dodat obrazu vlastní světlo.

Práce často pokračovala rychle, ale sám Monet si na tuto skutečnost stěžoval a tvrdil, že mu to ztěžuje práci a že má potíže převést své vize na plátno. Malíře občas trápily noční můry, v nichž na něj padala katedrála nebo zrádně měnila barvu.

Diváci mohli mistrovská díla francouzských impresionistů poprvé spatřit až v roce 1895. Přestože kritika byla rozpolcená, mnozí umělci (včetně zahraničních) změnili svůj názor. Téměř okamžitě bylo 8 obrazů z této série prodáno různým sběratelům. Zbytek i přes poměrně vysokou cenu (asi 15 000 franků) získalo několik dalších znalců impresionismu.

Série „Lekníny“, 1896-1926

Hodnocení: 4.7

Obrovský cyklus zahrnuje téměř 250 pláten, z nichž každé je namalováno olejem. Některé z obrazů lze označit za monumentální, a to nejen pro jejich impozantní velikost, ale také pro umělcovo důmyslné barevné ztvárnění. Pro pohodlnou práci si umělec postavil nový ateliér se speciálním osvětlením.

Je pozoruhodné, že Monet byl prací natolik unesen a výsledek na něj udělal takový dojem, že se nechtěl rozloučit s žádnou ze série „Leknínů“, která vznikala téměř 30 let usilovné práce. V muzeích a soukromých sbírkách se tato plátna začala objevovat až po smrti impresionistů.

Monet byl hrdý na to, že si mohl pořídit vlastní sídlo (v Giverny) a měl bujnou květinovou zahradu. Obrazy z této série zobrazují lekníny, které rostou v umělcově vlastní zahradě. Mimochodem, mnoho jeho obrazů vzniklo v době, kdy už malíř trpěl šedým zákalem. Možná mu to však pomohlo odklonit se od tradičního vnímání barev a vytvořit fascinující souhru barev a odstínů.

Lilie“ je k vidění v mnoha muzeích po celém světě, v Paříži, New Yorku, Walesu, Oregonu a jinde. Zástupci aukčního domu Christie’s označují Monetovy Lekníny za jedno z nejuznávanějších a nejvýznamnějších děl 20. století, které mělo obrovský vliv na impresionistické a modernistické umělce po celém světě.

Série „Stanice St. Lazare“, 1872-1877

Hodnocení: 4.6

V roce 1872 se Claude Monet vydal směrem k Saint-Lazare a oznámil, že chce namalovat sérii obrazů. Stavbu nádraží považoval autor za jednu z nejpůsobivějších ve své době a chtěl vyjádřit své pocity z doby technického pokroku a odklonit se od krajinných témat.

Stejně jako Monet maloval ze života, personál stanice vrhl všechny síly na to, aby se St Lazare před impresionistou objevilo v celé své kráse: stanice se neustále uklízela, dokonce se malovaly i lokomotivy a strojníci se snažili vpustit co nejvíce páry. Nádherné panorama francouzského génia uchvátilo, a tak namaloval 12 obrazů, na nichž je nádraží zachyceno nejen z různých úhlů, ale také za různého počasí a v různých denních dobách. Tato série byla malířovou prvotinou, brzy následovala díla „Hromady“ a „Lekníny“.

Poprvé se světu představil v roce 1877 na výstavě, série obrazů „Nádraží St.Lazare“ měla obrovský úspěch. Slavný francouzský spisovatel Emile Zola později prohlásil, že právě atmosféra Monetových obrazů ho inspirovala k napsání románu Zvíře, věnovaného francouzské železnici.

„Dámy v zahradě, 1866

Hodnocení: 4.5

Obraz byl pro současného diváka považován za velmi neobvyklý. Monet chtěl dát jasně najevo, že bude malovat jen podle své inspirace a instinktu, bez ohledu na akademickou tradici. Francouzského krajináře Gustava Courbeta, který Moneta v té době často navštěvoval, zaujal nejen autorův nápad, ale také měřítko plátna. Kvůli obrovským rozměrům (255×205 cm) byl neuvěřitelně těžkopádný: umělec musel plátno spouštět do speciální jámy pomocí navijáku, když se pustil do malování horní části obrazu.

Impresionista chtěl co nejvěrněji reprodukovat hru stínů a světla a propracovat i ty nejmenší detaily předmětu. Jeho postavy hrály vedlejší roli. Ženy zobrazené na plátně vypadají stylizovaně a jejich tváře jsou špatně viditelné. Jedna dáma stojí napůl otočená, druhá napůl zády, třetí je schovaná za kyticí květin. Autor tím dává najevo, že pro něj není důležitější individuální osobnost, ale interakce jedince s vnějším světem.

Navzdory zdánlivému tradicionalismu byl obraz skutečně novátorský. četné polotáčky, zdobené okraje šatů, to vše by akademický malíř nedokázal namalovat. Dáma v zahradě byla namalována v Monetově finančně obtížném období. Plánoval ji vystavit na pařížském Salonu, jednom z nejprestižnějších francouzských uměleckých veletrhů, ale porota ji nepřijala. Když se však Monet proslavil, obraz Dámy v zahradě koupila francouzská vláda za neuvěřitelných 200 000 franků.

„Dojem. Vycházející slunce, 1872

Hodnocení: 4.5

Když zakladatel impresionismu namaloval obraz, předpokládal, že je to jen další z jeho děl, které se neprodá. Ve skutečnosti to však byl začátek nového směru v malířství. V roce 1874 bylo dílo spolu s díly jeho „duchovních bratří“ vystaveno na samostatné výstavě. Snahu mladých talentů však neocenili všichni.

Například novinář Louis Le Roy napsal po návštěvě výstavy kritický článek „Výstava impresionistů“, v němž umělce označil za směšné, v podstatě řekl, že takové „výtvory“ přivádějí akademické malíře k šílenství, a dal tehdy neznámým mladým lidem urážlivou přezdívku „impresionisté“. Tehdy samozřejmě nemohl tušit, že umělci nakonec přijmou tuto přezdívku, která se stane běžným názvem a jedním z nejslavnějších uměleckých směrů na světě.

In Impression. Vycházející slunce Monet věnoval (jako vždy) zvláštní pozornost barevnému podání, použil minimum odstínů, ale vytvořil neuvěřitelně živou, realistickou krajinu. Základní tón – namodralý: celé plátno jako by prostupoval pocit chladného, sychravého rána.

Umělci se podařilo velmi přesně vystihnout náladu přístavu: takhle ho viděli místní obyvatelé – ponurý, s odlesky slunce na vodě, s oblohou přetékající do oceánu, kde jsou nejasně patrné siluety lodí.

„Snídaně v trávě“, 1866

Hodnocení: 4.5

Nedoceněný obraz s tragickým osudem a skutečný symbol své doby. Práce na plátně začaly v roce 1865, inspirovány proslulým a poněkud frivolním stejnojmenným obrazem Edouarda Maneta. Kromě shodného názvu a snad lesní krajiny však obrazy nemají vůbec nic společného.

Za vznikem plátna stojí skutečně titánské dílo, protože obraz měl obrovský rozměr – 400×600 cm. A práce s tak obrovským plátnem vyžaduje spoustu dovedností, schopnost cítit a tvořit kompozici, barvy, rozmístění znaků a tak dále.

Malíř začal pracovat na předem vybraném místě v lese Fontainebleau. Jako modely mu sloužili jeho žena Camille a přítel, kolega umělec Frédéric Bazil. Monet nejprve namaloval les v plenéru, pak si postavy načrtl v ateliéru a poté se opět vydal s modely malovat etudy ze života. Poté malíř ve svém ateliéru spojil všechny prvky dohromady.

Plátno zobrazuje chladný letní nebo jarní den. Mezi hustým a bujným listovím stromů se třpytí zářivě modrá obloha. Tu a tam se prodírají lehké sluneční paprsky. Skupina mužů a žen odpočívá v krajině, někteří si povídají, jiní chroupou jídlo, další se rozvalují na trávě. Člověk cítí veselost, svěžest lesa, lehkost a pohodu.

Monet původně namaloval Snídani v trávě, aby ji představil na pařížském salonu, ale neměl čas, a tak napsal Dámu v zelených šatech, která byla kritikou téměř narychlo přijata. Byl pod finančním tlakem, a tak nechal nedokončený obraz jako zálohu svému domácímu a rozhodl se nepokračovat ve větších pracích, které mu sežraly všechny peníze a způsobily potíže.

Majitel však dílo uchovával nedbale a část plátna z dlouhého pobytu ve vlhkém sklepě jednoduše shnila. O sedm let později ji Monet koupil zpět a rozřezal ji na tři díly, přičemž ponechal pouze dva (jeden byl zcela nepoužitelný). Dnes ji kritici považují za umělcův debut v tehdy novém stylu, za skutečnou vlajkovou loď nadcházející umělecké revoluce.

„Budova parlamentu při západu slunce, 1900-1901

Hodnocení: 4.5

V roce 1900 se Paul Durand-Ruel, neochvějný stoupenec impresionismu, těšil na návrat Clauda Moneta z britského hlavního města. Thoth si měl přivézt pohledy na mosty přes Temži a parlament, které vytvořil během svého pobytu v Londýně. Umělec dílo přivezl, ale s náčrtky nebyl spokojen, a tak se vrátil o rok později, aby malby zdokonalil, a o další rok později.

Dokončenou londýnskou sérii dostal Durand-Ruel až v roce 1904, ale čekání se vyplatilo: o týden později se obraz Parlament při západu slunce prodal za pěknou sumu. Od té doby se dostal do mnoha soukromých sbírek v Le Havru, Paříži, New Yorku a dokonce i v Japonsku. V roce 2015 bylo plátno prodáno za 40 milionů dolarů. dolarů.

Monet si při malování svého cyklu stěžoval na nestálost londýnského počasí: „Stále se mění kvůli mrakům a silnému větru… přivádí mě to k šílenství.“. Stavy přírody a jedinečné okamžiky slunečního svitu se střídají s obrovskou rychlostí, ale to, co Monet dokázal na svých plátnech vyjádřit, je k nezaplacení. Zvláštní kouzlo tomuto obrazu dodává neobvyklý, až odvážný efekt živé červené záře, která proniká hustými mraky.

„Most Waterloo na zatažené obloze, 1904

Hodnocení: 4.4

Další mistrovské dílo z Monetova londýnského cyklu bylo na výstavě dlouho k vidění. Například tento neuvěřitelný pohled na most Waterloo získal Česky sběratel Michail Rjabušinskij, vášnivý milovník malířství. V době revoluce v Ruské říši mu bylo 37 let. Část sbírky ukryl, část předal do úschovy Treťjakovské galerii a poté emigroval do Británie. Obraz se dostal do galerie skutečných obchodníků se starožitnostmi – Wildensteinů. Obraz později vystřídal mnoho majitelů, z nichž všichni byli výjimečnými osobnostmi.

Claude Monet se svou ženou poprvé přijel do britské metropole navštívit svého syna a hned věděl, že se sem ještě vrátí. Velký impresionista byl ohromen barevností města a s důvěrou se pustil do tvorby pláten s místní scenérií. Obdivoval poetiku některých londýnských lokací, ale počasí ho přivádělo k šílenství, což mu mnohonásobně ztěžovalo práci a zároveň ji činilo neuvěřitelně vzrušující.

Po návratu z Londýna si Monet přivezl celých 8 krabic pláten (!) a žádný z nich nebyl dokončen. Malíř obraz ještě několik let zdokonaloval a nikdy ho nenechal prodat. Teprve když byla všechna plátna dokončena, mohli si je prohlédnout užaslí diváci, obdivovatelé impresionismu a kritici.